서양미술사43 상징주의 모로, 샤반느

   

Download #1 : Poorfisherman2.jpg (127.8 KB), Download : 0

- Download #2 : Hope.jpg (98.7 KB), Download : 0

   

   

17. 상징주의(象徵主義, Symbolism)

1880년대 들어서면서 파리의 예술가들 사이에 중요한 예술동향이 등장한다.
상징주의(Symbolism)는 자연주의와 인상주의의 객관적인 대상 관찰과
묘사, 실증적 표현에 반발해 일어난 19세기 말의 미술사조이다.
상징주의 미술은 보이는 세계보다는 보이지 않는 세계, 곧 초자연적이고 관념적
이며 내적인 세계를 상징이나 알레고리(우의:寓意) 등으로 드러내는데 우선적인
관심을 두었다. 이렇듯 내면의 표현을 중시한다는 점에서 낭만주의의 전통을
잇고 있다고 할 수 있는데, 그 같은 주관적 지향이 상징이나 상징적 표현을 통해
늘 불확실하고 모호한 세계로 귀착 된다는 점에서 낭만주의와 구별된다.
한마디로 낭만주의의 주관주의가 좀더 급진적으로 표현된 미술이 상징주의 미술
이라고 할 수 있다. 이렇듯 상징주의 미술가들은 늘 "사물보기" 보다는
"사물을 통해 다른 무언가를 보기"를 원했다.

상징주의 작가들은 부르주아 계급의 물질적인 관념과 과학에서의 맹신에서
비롯된 기계적이 된 일상을 대신하여 감정과 욕망의 표현 감각과 꿈과 신화의
시각적 표현이 목적이 되었다. 인상주의의 미학적 한계점인 일상적이고 표피적
인 모습의 단순한 시각화는 신화와 몽상의 주제로 바뀌었다.
상징주의자들은 인상주의에서 결여된 인간의 조건과 정신적 세계를 보여주는
미술은 부활시켜야 한다고 믿었고 내면의 감정과 감각을 시각화하려는 시도를
했다. 상징주의 문학이 먼저 대두되는데 보들레르는 correspondence의 소네트
에서 향기, 소리, 색채는 감각 뿐 아니라 마음의 상태를 전달한다고 했다.
보들레르는 미술은 눈을 만족시키는 것 이상으로 감정을 불러일으키는 환기력이
있는 예술이라고 말하면서 상상력에 의해 표현된 미술은 본질적인 내적 실재를
파악할 수 있게 해준다고 주장했다.

상징주의가 극단적인 주관주의의 한 형태라고 볼 때, 상징주의 미술이 고도로
난해하여 신비스러운 공상과 상상의 세계로 나아간 것은 지극히 자연스러운 행로
였다고 하겠다. 이런 양상은 급기야 부르조아적 가치나 중산층적 가치를 세속적
인 물산주의로 폄하하고, 철저한 엘리트주의와 배타주의를 추구하는 모습으로
나타나기도 했다. "예술을 위한 예술"이라는 말은 상징주의의 배타적 성격을 잘
드러내주는 대표적인 구호라 하겠다. 이런 바탕 위에서 상징주의 미술은 갈수록
이국적이고 비의(非義)적이며, 신비하고 환영적인 나아가 몽상적인 양태로 흘러갔다.

★ 구스타브 모로(Gustave Moreau: 1826~1898) ★

Jason, 1863~1865

프랑스 파리 출생인 구스타브 모로(Gustave Moreau: 1826~1898)는
앵그르의 신고전풍의 단정한 데생과 들라크르아의 화려한 색채표현을 융합한
절충화파의 화가인 테오도르 샤세리오(1819~56)의 작풍에서 많은 영향을 받았으며,
1852년 살롱에 데뷔 후 2년간 이탈리아에 유학하여 르네상스 회화를 공부한 뒤로는
신화나 성서에서 소재를 딴 환상적이고 신비적인 작품을 그렸다.
면밀한 구성, 정세한 묘사, 광택있는 색채의 약동으로 상징적이고도 탐미적인 표현
세계를 구축하여 당시로서는 대담한 표현을 했다.
1892년부터 파리의 미술학교 교수로서 후진을 양성하였으며, 자유롭고 진보적인
교육방법으로 마티스, 루오, 마르케 등 야수파 화가들에게 큰 영향을 미친 스승
이었다. 그는 상징주의 또는 초현실주의의 선구적 작가일 뿐만 아니라 20세기
회화의 길을 연 위대한 지도자라 할 수 있다. 모로는 유언으로 자신의 집과 데생,
수채화, 유화 등 약 8,000여 점의 작품을 국가에 기증했으며, 이 유산으로 오늘날
파리의 구스타브 모로 미술관이 건립되었다.

Oedipus and the Sphinx, 1864

Diomedes Devoured by his Horses, 1865

Hesiod and the Muses

오르페우스, 1866

젊은 트라키아 여인이 살해된 오르페우스를 내려다 보고있는 이 장면에서
죽음, 고통, 그리움의 묘한 분위기가 짙게 느껴진다. 당시의 다른 아카데믹한
화가들과 비교해 볼 때 이러한 미지의 환상을 자아내는데 성공한 작품이다.

Prometheus, 1868

Saint George and the Dragon, 1870-89

Sappho, 1871~72

그리스 여류시인 사포가 레우카스 절벽에서 투신을 하려고 하는 장면이다.

Salome Dancing before Herod, 1874~76

The Apparition(환영), 1874~76

수채화로 오묘한 색감이 특징인 이 작품은 목이 잘려진 세례 요한의 머리가 젊은
유태인 공주의 환상에 나타나는 그림이다. 이 작품을 보고 비평가들은 "초인간적
인 사악함과 초인간적인 사랑의 상징으로 괴로움을 당하는 항상 슬픈 사람" 으로
모로를 평가하게 된다.

Orestes and the Erinyes, 1875-1893

Jacob and the Angel, 1878/Watercolor on Paper

David, 1878

Phaeton, 1878-79/Watercolor over Graphite on Paper

Galatea, 1878~80

The Peri(The Sacred Elephant; The Sacred Lake), 1881-82

Evening and Sorrow, 1882-84/Watercolor on Paper

테시피오의 딸들, 1883

모로의 작품들에는 대체적으로 강력한 여성미가 흐르고 있다.
연약해보이고 아름다운 여자가 아니라 여유로와 보이고, 힘이 있어 보이는 여성
들이다. 라파엘로의 아테네 학당을 연상시키기도 하는 이 작품에는 신비롭고
이국적인 미가 흐르고 있으며, 후에 초현실주의자들에게 영향을 주게 된다.

The Unicorns, 1887-88

Jupiter and Semele, 1889-95

세멜레는 그리스 신화에 나오는 주신 디오니소스의 어머니로 주피터(제우스)의
사랑을 받아 그의 아이를 갖게 된다. 그러자 주피터의 아내 헤라는 그녀를
질투하여 주피터에게 신의 모습을 보여 달라고 하라고 세멜레를 속인다.
세멜레의 청을 거절하지 못한 주피터는 신의 모습인 번개로 그녀에게 나타나
세멜레는 번갯불에 타 죽게 된다. 그 뒤 주피터는 태아를 꺼내 자신의 넓적
다리에 넣고 꿰멘 후 낳았다고 한다. 이 작품은 한 컬렉터가 1901년 모로박물관
개관 기념으로 증정했다고 한다.

Dead Poet Borne by a Centaur, 1890/Watercolor on Paper

Hesiod and the Muse, 1891

모로 말년의 작품으로 화려한 색채 감각과 동양풍의 장식들이 돋보인다.
고독한 헤시드를 뮤즈가 우아하고 조용하게 감싸고 있다.
고요한 느낌의 작품이다.

Inspiration, 1893

★ 샤반느(Pierre Puvis de Chavannes: 1824~1898) ★


피에르 퓌비 드 샤반느는 프랑스 Lyon에서 태어났다.
1844년 파리로 간 그는 유진 들라크르아(Eugene Delacroix)와 Thomas
Couture 밑에서 공부하였다. 프레스코화의 영향을 받아 조용한 색조와 구도로
담백미를 풍기는 벽화를 많이 그렸다. 19세기 최대의 벽화가로 비현실적이고
이상화된 고대의 옛 문명을 상기시켜 준다. 화면의 평면성, 단순한 형태, 큼직한
구도, 단조로우며 장식적인 색채가 특징으로, 고갱, 쇠라, 투르즈 로트렉, 세루지에
등에게 영향을 주었다. 샤반느의 그림에서는 언제나 의도적인 고풍스러움이 느껴
진다. 그가 많은 수의 벽화를 제작한 작가라는 점은 우연이 아니다. 시간이 정지된
것 같은 신화적 세계 속에서 인물들은 평화롭기만 하다. 자연은 결코 난폭하지
않으며, 인물들의 몸짓에서도 고대의 조각을 연상시키는 조화 이외의 다른 것은
거의 느껴지지 않는다. 모두들 어떤 배역을 맡은 무대 위의 인물인 것만 같다는
느낌을 줄 정도다. 대학 도서관(소르본느)이나 공공 건물들의 벽화를 제작한
그는 고대나 이탈리아 초기 벽화의 인물 배치와 색조를 회화에 들여와 그대로
자기 것으로 삼는다. 그의 그림에서 느껴지는 평면성은 여기에서 연유한다.
자신은 별로 달가워하지 않았지만, 그는 후일 세기말의 상징주의자들로부터
선구자라는 칭호를 듣게 된다. 신화적이고 목가적인 분위기는 그를 상징주의
화가로 분류하는데 부족함이 없어 보인다. 하지만 그는 어떤 주의나 사상에 따라
작품을 그리지는 않았다.

Mad Woman at the Edge of the Sea, 1857

Le Sommeil

Meditation, 1867

Marie-Madaleine & Ste. Baume, 1869

Les Oiseaux

Death and the Maiden, 1872

Hope, 1872

Hope, 1872

Young Girls at the Seaside(해변의 처녀들), 1879

이 작품은 고전적이며 시간이 정지된 것 같은 신화적 세계를 보여준다.
차분한 배경 속 인물들의 몸짓은 고대 그리스 조각의 조화를 연상시키는 동시에
무대 위의 배우 같다는 느낌을 준다. 신화적이고 목가적인 분위기의 이 작품은
상징주의의 선구자란 평을 듣기에 부족함이 없다.
<해변의 처녀들>에서는 풍경보다는 그림의 전경에 위치한 인물들이 우선 시선을
끈다. 샤세리오를 존경했던 샤반느의 작풍을 엿볼 수 있는 대목이다.
여인을 바닷가에 위치시키는 것은 비너스의 탄생에서 비롯된 서양 미술의 오래된
전통 중의 하나다. 여인들은 모두 긴 머리를 매만지고 있다. 파스텔 톤의 색조는
적요함, 심오함을 느끼게 하면서 동시에 몽상의 세계로 인도하는 듯하다.
화가의 인물들은 이렇게 해서 비너스의 변주들인 요부나 혹은 생명성을 상징하는
풍요라는 주제와는 완벽한 거리를 유지하게 된다. 이 여인네들은 모두 생각하는
여인들인 것이다. 서양 예술의 한 장르인 "美의 三 여신"의 변주로 볼 수도 있는
이 그림에서, 세 여인은 각각 다른 곳에 시선을 주고 있다. 어머니로서의 여인,
아내로서의 여인, 딸로서의 여인을 각각 상징하는 것일까? 혹은 그림의 배경을
삼분하고 있는 하늘과 땅과 바다를 지칭하는 것일까? 바위와 깊지 않은 모래 위에
피어난 보잘것 없는 꽃들이 상징하듯, 에로티즘이 제거된 그의 그림에서 모든 것은
마치 정지된 시간의 은유처럼 보인다.

The Prodigal Son, 1879

The Poor Fisherman, 1881

제목이 가난한 어부라고 되어 있지만 진실되고 선량한 어부의 기도하는 모습이다.
그 옆에서 헤진 옷과 맨발로 꽃을 꺽고 있는 아내. 고된 노동으로 이어가는 하루
하루일지라도 가난한 평화 속에서 전혀 불행할 것 같지 않은가.
샤반느를 좋아한 고갱과 쇠라는 직접 이 그림을 카피하기도 했다.

The Dream, 1883